Exámenes

Debido a los exámenes finales de la autora la frecuencia de publicación en el blog será mucho menor a la habitual. Disculpad y volvemos a finales de Junio muy cargados!!!!

Prepara tu agenda para PHOTOESPAÑA 2012

Un año más, y gracias al éxito y creciente número de visitantes de cada nueva edición, el Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña ocupará la capital desde el 6 de Junio hasta el 22 de Julio. Durante todo este tiempo se repartirán por 38 galerías madrileñas (7 más que el año anterior) más de 70 exposiciones de más de 300 creadores y artistas de 45 procedencias distintas. Fotógrafos consagrados y nuevos talentos se darán cita en este foro de creación, exhibición, discusión y formación que ya se ha convertido en una de las paradas imprescindibles a nivel mundial de los entusiastas de la fotografía y las artes visuales.El festival cuenta con el apoyo y la participación de Fundación Banco Santander, Fundación Telefónica, Fundación Canal, Fundación ICO y Loewe así como la de los ayuntamientos de Alcalá de Henares, Cuenca y Alcobendas, ciudad que se estrena como sede del festival


Algunas de las grandes exposiciones de la feria serán:
- Sección oficial
- Otras salas
- Festival Off
- OpenPHoto


Pero las magníficas exposiciones no son más que una parte de todas las actividades que se desarrollarán en torno a la feria. El Ayuntamiento de Alcalá de Henares, en colaboración con la histórica y prestigiosa agencia fotográfica Magnum, organizan Campus PHE Grandes maestros- Magnum Photos Workshops . Los talleres correrán a cargo de Abbas, Antoine D’Agata, Chien-Chi Chang y Bruce Gilden y tendrán lugar del 22 al 25 de Junio en el Antiguo Hospital de Santa María la Rica de Alcalá de Henares. Cada fotógrafo orientará a un grupo de 12 personas, previamente seleccionadas, mediante un programa intensivo de disparo fotográfico, revisiones diarias, críticas en grupo, tutorías y sesiones de edición. Los seleccionados pasarán estos días en sesiones personalizadas con el profesor, dentro y fuera del espacio del taller.


Los días 5, 6 y 7 de Junio se organiza Descubrimientos PHE, que desde 1988, el primer año de celebración de la feria, ofrece a fotógrafos profesionales y semiprofesionales la posibilidad de enseñar sus portafolios a profesionales reconocidos del ámbito de la fotografía y recibir de ellos una atención y opinión personalizada. Exactamente 1.098 personas de 69 nacionalidades distintas tendrán ocasión de mostrar su trabajo a los 21 visionadores.

La otra gran actividad que tendrá lugar en el marco de la feria son los Encuentros PHE los días 7 y 8 de Junio. Gerardo Mosquera, en el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte organizan un programa de conferencias con expertos en la fotografía y las artes visuales. Los encuentros versarán sobre "las implicaciones que ha supuesto para la práctica del comisariado la amplia internacionalización del arte, analizando sus problemas y perspectivas". 


Además se llevarán a cabo otras actividades, como concursos de fotografía, talleres para jóvenes y niños y visitas guiadas. 

Si eres fotógrafo profesional o potencial, amante de la fotografía o mero observador del mundo, empieza a organizar tu entrada al verano rodeada de cientos de miradas. 

¿De verdad necesitas saberlo?

La noche de la subasta de la celebérrima versión de El Grito de Munch en la casa de Sotheby´s de Nueva York escribí el siguiente tweet: "¡Necesito saber quién ha comprado El Grito!". Un artista que dejaremos en anónimo, con el que mantengo una buena relación digital, me respondió: "Yo no". Y entonces lo pensé. Otra vez la discusión de si esa compra-venta millonaria que se lleva a cabo en las casas de subastas es el Arte, o si el Arte son los paisajes de cualquier estudiante de Bellas Artes o si todo lo es pero en distintas escalas. ¿Vale alguna de ellas más que la otra? No vayan a pensar que hablo de precio. Que sea la obra más cara vendida en subasta en la Historia del Arte importa y a la vez no. El Arte es dinero, por su ausencia o por su despilfarro, y eso nadie puede ignorarlo.


Dicen que quizás haya sido otra vez la familia real de Qatar. Algún multimillonario chino. Alguna vieja riqueza del continente europeo. Sea quien sea, leo las palabras que Munch escribió en el marco de la obra:


"Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza."


Y no puedo evitar preguntarme si los jequeses y jequesas y petroleros y dueños de imperios mediáticos y superestrellas del rock han sentido alguna vez ese grito infinito que estalla en tu interior cuando te das cuenta de que el mundo es demasiado grande e inabarcable. Yo si quiero saber quién lo ha comprado. Llaménme cotilla. O curiosa, es lo mismo. Me pregunto si sentirá la ansiedad teñida de sangre y cielo aquel que ahora, sólo ante el mundo, lo esté contemplando.

Lectura: THE ROAD (Cormac McCarthy)

Título: The road (La carretera)
Autor: Cormac McCarthy
Tipo de escrito: Novela
Sinopsis: El mundo entero ha sido devastado por lo que no se sabe muy bien si ha sido una catástrofe natural o nuclear. No se ve el sol, el polvo que flota en el aire lo reduce toda a oscuridad, la nieve cae y ennegrece el suelo al mezclarse con la ceniza. Lentos, sigilosos, un padre y su hijo atraviesan Estados Unidos en dirección al mar. La carretera es una lucha constante por no morir de frío, hambre o ser presa de las bandas de inhumanos caníbales.

Esta novela ha sido mi primer acercamiento a Cormac McCarthy, paralelo a ver la adaptación cinematográfica de No country for old men. Todos, inevitablemente, están rodeados por esa aureola de "gran novela americana". Quizás McCarthy lo ha conseguido. The road se llevó el premio Pulitzer de ficción 2007 y ha sido recientemente adaptada al cine. Algo huraño, algo Sallinger, escondido aún a saber donde, es uno de los grandes nombres de su generación junto a Thomas Pynchon (otro eremita), Philip Roth y Don DeLillo, nombres imprescindibles para todo amante de la literatura norteamericana (véase una servidora).
Hay a quién esta novela le pueda parecer lenta o repetitiva. Déjenla en la estantería de la que la cogieron y no la hagan ese flaco favor. No hay nadie que sepa narrar de una forma tan serena el apocalipsis, y sin caer en toda esa parafernalia hollywoodiense de virus mortales, presidentes angustiados, gente corriendo por las calles, grandes explosiones y edificios que se desploman. El fin del mundo de McCarthy ocurrió hace ya tiempo, y cuando una madre, hermosa y lúcida decidió que no merecía la pena sobrevivir, un padre y un hijo tratan de encontrar un lugar en el que vivir. ¿Cuál es la diferencia? Esta historia reflexiona acerca de qué significa ser humano, si merece la pena sobrevivir un día tras otro sin fin último, si es mejor ahorcarse en el granero porque ya no hay posibilidad de tener una vida digna; y, sobre todo, de hasta qué extremos puede llegar aquel que sigue adelante guiado tan sólo por su instinto, en una escena inolvidable, de esas que te provocarían nauseas si no fuera por lo sutil de su estilo, en la que famélicos supervivientes son almacenados para ir siendo poco a poco amputados y devorados por esas bestias que se hacen llamar hombres.
La ceniza lo cubre todo. Hace frío y huele mal. Todo gris. McCarthy te lo recuerda una y otra vez, a saltos, fragmentaria y sin diálogo directo. La repetición acaba generando la angustia, una sensación claustrofóbica de estar perdido y no saber a dónde dirigirse ni para qué. Sobre la escarcha sucia deja dinero, tarjetas de credito y una fotografía de la madre que murió nunca sabrán donde. Como los buenos escritores -los genios-, Cormac dice, y ahora averigüen qué cuenta.  Los árboles caen. ¿Es un perro? Creo haber visto ese cadáver de pájaro elevarse. Siento que el mar no sea azul. Y el niño, que ya no es niño, pero que para su padre es la última belleza y pureza que queda en el mundo, se preocupa de su fuego, del interno, del que le hace ser los buenos. Una meditación acerca de qué es lo correcto encarnada en la duda y el cansancio de un niño que podría ser cualquiera. Si él no es la palabra de Dios, Dios no ha hablado nunca.

Cormac McCarthy entrevistado por Oprah Winfrey

15th contemporary artists: JEFF KOONS

"El arte es una forma de autoayuda que puede infundir en el espectador una sensación de confianza"

York (USA), 1955
Estudió en el Maryland Institute College of Art -donde obtuvo su BFA- y en el School of the Art Institute de Chicago. Se contó entre los empleados del MoMA y fue también corredor de Bolsa en Nueva York antes de iniciar su carrera como artista, fuertemente influenciada por el pintor Ed Paschke, al que conoció durante la visita a un museo. Actualmente vive y trabaja en Nueva York, en un enorme estudio con más de 30 ayudantes que recuerda a la Factory de Warhol. Su obra, además de rifarse en los circuitos privados, está expuesta en museos como el MoMA, Whitney, Guggenheim de NY, Los Angeles Country Museum, National Gallery de Washington, San Francisco Museum of Modern Art y la Tate de Londres entre otros.

No es sólo uno de los artistas más significativos desde el fin del pasado siglo, sino que compite con Damien Hirst por el título de artista más rico del mundo. Tras la muerte de Lucian Freud muchos le situaron como el artistas mejor pagado del Arte Contemporáneo, pero lo cierto es que ese puesto varía según a quién preguntes.El título que si ostenta es el de artista vivo por cuya obra de Arte más se ha pagado: Balloon flower (Magenta), vendido por 25.765.204 dólares en la casa Christie´s de Londres en 2008 (sobre estas líneas). En los años 80 amplió el concepto de los ready-made de Duchamp añadiéndole la estética pop, seleccionando objetos cotidianos, consumidos por la masa, y haciendo de ellos obras de Arte sin apenas intervención. Sus muñecos hinchables -delfines, elefantes, langostas...- son adorados y odiados a iguales. Sus cachorros de flores y gigantescas esculturas de globos multiformes hechos en aluminio de colores adornan los exteriores de varios museos. Trabaja el consumismo, el erotismo, el gusto, la corrupción, la hipocresía y la banalidad. Tiene algo de Warhol, tan preocupado por fu estética, apareciendo en sus propias obras (primera imagen), tan asiduo a las fiestas... 

Escuelas literarias: ¿se puede enseñar a escribir?

También puedes leer este reportaje en la revista digital universitaria La Huella Digital

"Escritor es aquel al que escribir le cuesta más que a los demás" Thomas Mann

Antes de empezar, deberíamos añadir un elemento clave a esta pregunta: ¿se puede enseñar a escribir ficción? Escribir y escribir ficción no es lo mismo; se trata de una diferencia sustancial que mucha gente, incluso profesionales, no sabe diferenciar. Todo el mundo –alfabetizado- sabe escribir: escribes dictados, cartas, respuestas a un examen, mensajes de texto, un email, un diario y un infinito etcétera. No todo el mundo sabe escribir ficción: crear unos personajes que presentan personalidad y evolución en la misma, inventar unos acontecimientos que sigan una trama desarrollada a lo largo de un tiempo y en un espacio, contar unas ideas con la historia que dices… y hacerlo todo con estilo literario. Se trata de la diferencia insalvable entre un acto cotidiano y hacer Arte. ¿Cómo se ha producido esta confusión? La gente puede escribir ficción por hobby, porque les entretiene, porque les sirve para desahogarse;  otros van más allá y lo hacen con pretensiones de oficio, y entonces empiezan a añadir a su trabajo unos antecedentes históricos, unas teorías y críticas literarias, un conocimiento del mundo editorial e infinitos saberes más que se convierten en una tortura. Quizás, el todo el mundo sabe escribir se ha producido porque cada vez se le exige menos calidad a las obras de los escritores, y si esto coincide con que dichas obras se convierten en superventas que llenan las arcas de las empresas editoras, peor aún.

No ocurre lo mismo con otras Artes. Aparentemente, todo el mundo sabe escribir porque es capaz de juntar más de cinco palabras. Pero no todo el mundo sabe tocar un instrumento, porque si pulsas las teclas de un piano o las cuerdas de un violín, o sabes hacer música o no sabes, y es tan evidente que resulta ridículo . Esta diferencia no sólo está clara en la música, si no también en las Bellas Artes, aunque nuevas disciplinas como la performance o el videoarte han obligado a revisar y someter a crítica constante los cánones clásicos. Probablemente esto se deba a que ambas disciplinas artísticas cuentan con formación oficial. Cuando uno quiere ser músico o artista plástico –en la gran mayoría de los casos- se forma en un conservatorio o en una facultad de Bellas Artes o escuela. Pero si uno quiere ser escritor, ¿a dónde va? A las carreas de Filología, Derecho, Filosofía o Comunicación por regla general. Luego pueden aparecer talentosos literatos con formación médica, política o económica. ¿Qué tiene la creación literaria que toma como creadores a sujetos tan dispares?

Sin embargo, la ausencia de formación específica para los escritores es un mal-o quizás bien, quién sabe, ya que hay sobreabundancia de escritores- típicamente nacional. En otros países, principalmente en los anglosajones, las universidades, tanto públicas como privadas, cuentan con carreras y/o másters oficiales que suelen denominar Creative Writing. En estas enseñanzas los estudiantes aprenden materias tales que Historia de la Literatura, del Arte, Movimientos artísticos, Filosofía, Sociología, Composición, Escritura poética, Creación de personajes y múltiples conocimientos humanísticos más, acompañados de constantes seminarios y talleres con escritores conocidos por el público. En España, la Universidad de Sevilla y la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona son pioneras en tener Masters de Escritura Creativa. Estas formaciones universitarias, sin embargo, no han cosechado el éxito de las instituciones que dan nombre a este reportaje: las escuelas literarias. Por todo el territorio español se diseminan cursos y talleres de escritura creativa impartidos por escritores o teóricos en distintos centros culturales. En la capital se concentran cuatro de las escuelas literarias con más alumnos: Fuentetaja, Escuela de Escritores, Hotel Kafka y la Escuela Contemporánea de Humanidades.  Estas escuelas llevan años ofreciendo cursos, talleres, seminarios y masters en distintas disciplinas de la creación literaria lo más específicas posible: poesía, novela negra, relato breve, literatura erótica, tendencias literarias contemporáneas, periodismo literario y mucho más. Son cientos los alumnos que ya han recibido este tipo de formación, normalmente impartida por escritores publicados de más o menos prestigio o por profesionales del mundo de las Ciencias Sociales y las Humanidades. Fuentetaja cuenta con 25 años de experiencia y es la que más alumnos recibe cada año en sus enseñanzas presenciales y online. Escritores reconocidos como Elvira navarro y Juan Jacinto Muñoz Rengel se encuentran entre sus filas. Es la más grande de todas en cuanto a variedad de estudios ofertados. Escuela de Escritores imparte cursos online y presenciales en Madrid, Burgos y Zaragoza. Cuenta con cursos anuales y trimestrales, un Máster en Narrativa entre ellos, y no cuenta con profesores de tanto prestigio pero sí con un amplio equipo de personal formado en ámbitos culturales y con premios literarios de menor resonancia.  Hotel Kafka, además de escritores, imparte cursos para músicos, guionistas y periodistas. A la entrada de su página apuntan de la manera más humilde y sabia: “A todos nos enseñaron a escribir en la escuela, a crear no”. Escritores como Juan Aparicio Belmonte, Rafael Reig, Ronaldo Menéndez o Marta Ribera enseñan en sus cursos de Escritura Creativa. La Escuela Contemporánea de Humanidades de Madrid es dirigida por el varias veces galardonado escritor y periodista Alejandro Gándara. Sus Másters en Creación Literaria y Creación de Pensamiento son un sello único, muy reconocidos a nivel nacional, y entre sus filas hay escritores como Nuria Labari y profesionales como periodistas, filósofos y publicistas.

Estudiar en estas escuelas no significa ni que seas escritor ni que vayas a publicar tu obra. Sí son, por otra parte, un lugar de encuentro para personas con inquietudes culturales parecidas, aptitudes potenciales para la escritura, capacidad de sentimiento crítico y, sobre todo, amantes de la lectura. Hay mucho que discutir en torno a este tema, y hemos querido contar con la opinión de cuatro escritores vinculados y no con estas escuelas.

JUAN APARICIO BELMONTE- Su primera novela, Mala suerte (2003) ganó el I Premio de Narrativa Caja Madrid. Desde entonces ha publicado López López, El disparatado círculo de los pájaros borrachos (XII Premio Lengua de Trapo de Narrativa), Una revolución pequeña y Mis seres queridos (II Premio Bubok de Creación Literaria). Da clases de Escritura Creativa en el Hotel Kafka.

ELVIRA NAVARRO- En 2004 ganó el Certamen de Jóvenes Creadores de la Comunidad de Madrid y el siguiente año recibió una beca de creación en la Residencia de Estudiantes. Su primer libro, La ciudad en invierno (2007) fue elegido como Nuevo Talento Fnac. En 2009 publicó La ciudad feliz (XXV Premio Jaén de Novela). En 201º fue incluida en la lista de 22 mejores narradores españoles de la revista Granta. Es profesora de Novela en Fuentetaja.

NURIA LABARI-  La redactora jefe de www.telecinco.es seleccionó trece de sus relatos cortos bajo el nombre Los borrachos de mi vida y ganó el VI Premio de Narrativa Caja Madrid. Es profesora de Relato Breve en la Escuela Contemporánea de Humanidades, donde una vez fue alumna del Master de Creación Literaria.

LORENZO SILVA- Es uno de los nombres más reconocidos de la Literatura española actual. Ha escrito novelas, relatos, narrativa de no ficción y libros para niños y jóvenes. En 1997, con dos novelas ya publicadas, su nombre se hizo famoso al quedar finalista del Premio Nadal con La flaqueza del bolchevique. Recibiría el premio en el año 2000 por El alquimista impaciente. En 2004 con Carta blanca ganó el Premio Primavera de Novela. Sus últimas obras publicadas son Niños feroces, La estrategia del agua o El blog del inquisidor entre muchos otros.

¿El escritor nace o se hace?

J.A.B. Nace con algunas características innatas, pero si estas no se trabajan y desarrollan de nada sirven. ¿El futbolista nace o se hace? Si eres torpe con los pies por una cuestión genética jamás serás buen futbolista, pero Messi es Messi porque jugaba mucho al fútbol de niño con independencia de su indudable talento natural.

E.N. Afirmar que el escritor nace es como creer en la transmigración de las almas o algo similar. El escritor se hace. Otra cosa distinta es  la necesidad de expresarse y construir universos por escrito (un psicólogo te contestaría mejor que yo a esta pregunta), que seguramente tiene que ver con desarreglos con respecto al entorno y un temprano descubrimiento de la lectura.

N.L. Ni lo uno ni lo otro. El escritor básicamente se deshace. Quiero decir que el escritor es un sujeto (lo de que ha nacido es obvio digo yo) con alguna brecha en su sentido del mundo o de su identidad. Es capaz de percibir los lugares donde el sentido se rompe y se siente capaz (a veces) de intentar reconstruirlo o, por lo menos, de seguir la pista a estas brechas del sentido. Creo que identitariamente hay algo roto en un escritor y la magia de la buena literatura consiste precisamente en convertir esas brechas en trampolines, en lanzaderas hacia otro lugar. Es decir, donde el sentido se rompe puede haber un trampolín que te lance disparado hacia otro lugar donde pueda continuar. No es que las heridas desaparezcan pero podemos convivir con ellas. Me encanta la metáfora de Dumbo para ilustrar la del escritor. De sus tremendas orejas, las mismas que le amargaban la vida, es capaz de conseguir la magia necesaria para volar. ¿Nace Dumbo o se hace? Pues ni lo uno ni lo otro. Se deshace. Convierte lo que tenía en otra cosa. Es decir, crea.

L.S. Nace y luego está siempre haciéndose, deshaciéndose, rehaciéndose. De otro modo, no hay escritor.

¿Puede sustituir la enseñanza al talento natural?

J.A.B. No. El talento natural no tiene sustitutos. La enseñanza, o más bien la práctica, puede acrecentarlo o hacer que surja si hasta entonces permanecía agazapado u oculto.

E.N. Esta pregunta parte de una base errónea, a saber: la presunción de que todos los que asisten a un curso de estas características tienen una vocación bien definida y, en consecuencia, la firme determinación de convertirse en escritores o escritoras. En mi experiencia, eso es así sólo en algunos casos. La mayoría de los que asisten a un curso práctico de literatura están movidos por el afán de explorar una región por la que rara vez  transitan, que es la de su relación con la palabra escrita, y que cuando se prueba procura satisfacciones inesperadas, y tal vez incluso la recuperación de capacidades que se creían olvidadas. Es un tópico seguramente cierto decir que quienes escribimos lo hacemos porque nos resulta más fácil comunicarnos por escrito, y yo añado que, además de eso, hay cosas que sólo encuentran su mejor expresión sobre una hoja de papel. O sobre una pantalla. Esto es así incluso en los casos de quienes rara vez han probado dejarse ir ante una página en blanco. Por hacer una analogía con la pintura, tal vez uno o una no sea Antonio López; sin embargo, lo que sí es cierto es que, cuando se descubre la potencialidad de un trazo o de unos colores, nada ni nadie puede sustituir ese trazo propio y esa manera de aportar color, y lo fundamental: sólo quien participa de ese proceso puede hacerse depositario de su significación, de las posibilidades que encierra.

N.L. Esta pregunta es muy tontorrona, la verdad. ¿Cómo va el talento a sustituirse por ninguna cosa? Supongo que te refieres a si puede alguien sin talento convertirse en escritor gracias a la educación. Mi respuesta es que la educación es indispensable para el desarrollo del ser humano (sea o non escritor) y complementaria de cualquier capacidad innata. Desde luego no conocemos escritores analfabetos (con permiso de los narradores orales de la biblia reescritos después). Es decir, cualquier escritor de nuestro tiempo sabe escribir en el sentido literal de la expresión. ¿Cuánto talento hay en zonas del mundo donde los niños no tienen siquiera derecho a la educación? Por no hablar de las mujeres... En fin, esta pregunta me parece propia de los 80. Las escuelas de arte dramático, de danza, de música, de bellas artes jamás se han puesto en duda (por mucho que se asuma que estas disciplinas requieren talento). En cambio se sigue sospechando de las escuelas de creación literaria. Fuera de todos los talleres y club de lecturas no profesionales que existen en nuestro país, entiendo que las escuelas de altos estudios dedicadas a la creación literaria son una suerte para escritores, críticos y estudiosos de la literatura en general. En nuestro país sólo conozco la ECH, fuera me gusta la Sara Lawranece en EEUU, donde me encantaría estudiar. (En la ECH ya he tenido la suerte). Pero en principio no sospecho de ninguna institución que se dedique a la educación. Y sin educación creo que el talento lo tiene muy difícil, la verdad, en ésta o cualquier otra disciplina.

L.S.  No. Puede potenciarlo, pero cero multiplicado por lo que sea siempre da cero.

¿Cuál sería la labor idónea de estas escuelas en el proceso de creación artística?

J.A.B. La que tienen. Lugares donde se aprende técnicas de escritura, donde se lee y se discute y charla sobre literatura y en los que los alumnos encuentran una motivación, tan necesaria siempre, para escribir más y mejor.

E. N. Conectar a los asistentes con su capacidad para crear con el lenguaje escrito, y aquí es importante el "su", es decir, con aquellas cualidades o necesidades del alumno que le permiten escribir. El profesor debe de ser un canal para desarrollar cualidades propias, y no un vendedor de su propia doctrina literaria.

N.L. La respuesta se responde más fácilmente si piensas en cualquier otra disciplina: danza, por ejemplo. Como la palabra está muy pegada a los individuos nos cuesta entender que no la dominemos y que aún podamos aprender sobre una capacidad que nos parece “innata”. Pero son muchas las técnicas que se deben conocer para afrontar la escritura (o la lectura o la edición o la retórica) desde un punto de vista profesional o avanzado. La bibliografía es tan amplia como lo es la materia. ¿Por qué no se hace este pregunta sobre qué se enseña en una Escuela de Bellas Artes o si tiene sentido ir a un conservatorio de música cuando Leonard Cohen es autodidacta? En fin, me niego a responder. Creo que la labor de una Escuela de creación no se tiene que justificar aunque en este país se siga pidiendo explicaciones hacia aquellos decididos a dedicarse a la creación en cualquiera de sus manifestaciones. De hecho, una de las razones por las que este tipo de escuelas son imprescindibles es que la creación está desterrada por completo de los programas convencionales de formación.

L.S. Estimular, incitar a la curiosidad, a la autoexigencia, a la permeabilidad.

Feria de Libros Mutantes

Por tercer año se celebra en La Casa Encendida de Madrid la Feria de Libros Mutantes. Este encuentro está dedicado a poner en común ideas y trabajos en torno al mundo de la autoedición: fanzines, libros de artistas, collages, revistas de diseño, proyectos de dibujo y mucho más. Unas 50 editoriales nacionales e internacionales -Alemania, Suecia, República Checa, Reino Unido, Francia, Italia, Turquía, Bélgica, Portugal y México- se dan cita en esta muestra editorial independiente para demostrar el mimo con el que se sigue tratando al papel en la era de la informática arrolladora. Casi todas estas publicaciones, totalmente artesanales, tienen unas tiradas muy limitadas, por lo que la visita a la feria es una oportunidad única para hacerse con algunas de estas joyas tan cuidadas.


Además, durante toda la semana se han venido celebrando distintos talleres en los que el público han podido experimentar con sus propias manos la autoedición. Las obras realizadas por los alumnos de “Photozine Express” con Photopía, "How To Become A Self Publisher In 3 Days" con Alex Lis y “OJoÍDO” con Eduardo Scala se exponen y venden en la feria (los collages que he comprado, bajo estas líneas, son obra de alumnos del taller de Alex Lis).

Bajo el nombre de "Perspectivas mutantes" se ha realizado un ciclo de conferencias especializadas en el mundo del diseño y la autoedición. La feria estará hasta mañana, fecha imprescindible para todos aquellos que se hayan quedado con el gusanillo de la creación adentro: a partir de las cinco de la tarde se celebrará una nueva edición de "Fanzine para llevar", en la que todos aquellos que acudan al evento podrán disponer de los materiales e ideas necesarias para llevarse una obra propia a casa.

Exposición de un artista emergente

Los primeros pasos en el mundo del Arte Contemporáneo

Descubrimos a los artistas cuando estos ya han sido descubiertos. Antes de llegar a las paredes de las galerías y las ferias han recorrido un largo camino, más o menos pero siempre difícil, de cuyo recuerdo dependerá la vanidad futura. Lit Ar Co ha acompañado a una joven artista en sus primeros pasos en el circuito del Arte Contemporáneo.

Su nombre es Adriana Martín, pero todo el mundo la conoce como Adriana Van-Gógthica. Esta vallecana de 20 años lleva pintando desde que era niña. Ha participado en exposiciones colectivas y la actual muestra en su tercera en solitario. Estudia Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y asiste semanalmente a una academia de pintura Para ella el Arte es expresar, comunicar de una forma especial y distinta a como lo hacen los demás. Aún no sabe si denominarse artista, y en su trabajo diario recuerda que sus primeras opciones fueron estudiar o Restauración o Diseño. El trabajo curatorial también le interesa; de hecho, en el mismo centro de Moratalaz donde ahora expone en solitario comisarió hasta hace unas semanas una muestra colectiva de pintura.

Su pintura es melancólica y oscura a la vez que lúcida y colorista. Una serie de bajones emocionales durante la adolescencia la llevaron a canalizar las tormentas internas a través de la pintura. Su estilo, aún en poco tiempo, ya muestra algunos signos de evolución: de autorretratos algo surrealistas y personajes cadavéricos a figuras nuevas como niños, desnudos, bailarinas y una amada Parca. Aunque también ha probado la escultura y el dibujo, su fuerte es la pintura. Los colores transmiten estados emocionales y evocan sensaciones dispares tanto en ella misma como en el espectador. Pinta y cuenta historias desde la tragedia hacia la esperanza.

Lo que muchos jóvenes artistas se preguntan es: ¿dónde mostrar mi obra?. Adriana Van-Gogthica no llegó al centro por casualidad, y ni mucho menos la llamaron ellos. Fueron días y días de mirar por Internet, hacer llamadas y mandar correos sin respuesta, descartar sitios y ser descartada… Finalmente se decidió por este amplio y luminoso hall, y tuvo la “suerte” de dar con una directora muy amable e interesada en su obra. Después, rellenar solicitudes y prepararlo todo.

En un pequeño ático en una callejuela de Vallecas Van-Gógthica tiene su estudio. La luz entra desde la terraza. Apenas hay muebles y el parquet está empapelado, goteado en miles de colores. Hay fotografías, carteles, recortes, posters de Van-Gogh y trabajos propios. Un enorme espejo refleja el caballete sobre el que posa una inacabada bailarina quebradiza. Sobre la mesa un estuche de pinceles secos y botes a medio usar de pintura, alguna reutilizada. “La gente tira mucha pintura en la facultad, y así ahorro dinero” explica riéndose. Lleva un batín azul y se pasea quasihistérica, sacando y guardando cuadros, observándolos a la luz, apurada por acabar lo que le queda y siempre pensado en empezar algo más. Los cuadros para la exposición están distribuidos por el salón. Los días del montaje toca transportarlos en coche, uno, dos y hasta tres paseos. Como comisaria, ya sabe los quebraderos de cabeza que supone el espacio. Planta de abajo, escaleras y planta de arriba. Dónde colocar cada cuadro según su tamaño, qué luz se necesita, que serie necesita estar junta y tiene que ocupar un espacio mayor, con qué obra abrir el recorrido… Son carreras arriba y abajo, embalajes, celofán y alcayatas, ¿qué tal aquí? ¿o mejor un poco más a la izquierda?. Que no se amontonen, que los colores no se confundan, que cada pintura tenga su espacio vital.

Y una vez inaugurada es esperar. Y sonreír, sonreír mucho. Poner unos precios sensatos, acercarle la hoja al visitante y recordarle que estás dispuesto a negociar una bajada. Se multiplica el largo por el ancho y por una cifra del 1-10 según pintes con plastidecor o seas Damien Hirst. Y sonreír, sonreír mucho. Acompañar, explicar y ser agradecida. Despedirte educadamente. Ya llegará el día en que puedas sentarte en un rincón y dejar el negocio a otros. Por ahora, Adriana Van Gógthica ya ha vendido dos obras y ha recibido otros dos encargos.

¿Cuál es la clave? Paciencia y trabajo.

Y muchos, muchos, muchos contactos. Mandar emails y apuntar teléfonos hasta el día en que tú puedas darlos.

ADRIANA VAN-GOGTHICA

Del 2 al 30 de Abril.

Centro Sociocultural y Juvenil de Moratalaz

C/ Fuente Carrantona, 10 Metro: Pavones

L-S: 9.00-14.00 y 16.00-21.00

Domingo 10.00 - 14.00

ELLAS. Creadoras de los siglos XX y XXI.

La Red Itiner lleva por toda la Comunidad de Madrid obras seleccionadas de veintitrés artistas, nacionales e internacionales, creadoras todas ellas de los siglos XX y XXI. La exposición, que hasta el 25 de Abril está de parada en el Centro Cívico José Saramago de Leganés, visitará otros municipios como Collado Villalba, Alcalá de Henares, Colmenar Viejo, Aranjuez, Navacerrada, Alcorcón, San Sebastián de los Reyes, Pinto, Alcobendas y Arganda del Rey. Se trata de una pequeña muestra de obras femeninas estructuradas en torno a dos ideas: 


- En cuerpo y alma; la relación entre lo físico y lo intelectual, la carne y el sentimiento, siempre sensual y delicado. Se incluyen obras de Frida Kahlo, Gisèle Freund, Marina Abramovic, Cindy Sherman, Paloma Navares, Concha García, Susy Gómez, Marina Núñez, Adriana Duque, Amparo Sard, Naia del Castillo, Victoria Diehl, Carmen Calvo y Concha Jerez.

En tránsito, Naia del Castillo

Sigo mi destino, Susy Gómez

Diario de Frida Kahlo

Sin título, Victoria Diehl

- Interior/Exterior; la mujer en el mundo y el mundo en el interior de la mujer. Incluye obras de Amalia Avia, Esther Ferrer, Isabel Quintanilla, Marisa González, Ouka Leele, Darya Von Berner, Montserrat Soto, Berta Jayo y Diana Larrea.

Herida como la niebla por el sol, Ouka Leele

Detalle de Invasión Sucesión 5, Montserrat Soto

Todas las creaciones -pinturas, grabados, fotografías, videoarte y esculturas- tienen algo de voyeur, una sensación de estar echando un vistazo indiscreto a los pensamientos más íntimos de mujeres desconocidas. Contemplar sus preocupaciones, sus deseos, sus burlas, sus pensamientos... Todo lo que hace el yo.


Centro cívico José Saramago de Leganés
AV. del Mediterráneo, 24
Metro: San Nicasio (Metrosur)
Renfe: Leganés central

La colección de la Rubell Family Foundation en Madrid

Donald y Mera Rubell se conocieron en la Biblioteca Pública de Brooklyn. Él estudiaba Medicina y Mera era profesora. Una de sus primeras conversaciones, recuerdan, fue sobre Aristóteles contemplando un busto de Homero. Desde entonces, la joven pareja dedicó gran parte de sus modestos ingresos a adquirir obras de arte. Paseaban por Nueva York, frecuentaban estudios y bares, entablaron amistad con artistas desconocidos que hoy han adquirido un gran renombre. El hermano de Donald era el dueño de la mítica discoteca Studio 54 de Nueva York. Al fallecer, toda su fortuna pasó a manos del joven matrimonio, y los Warhol, Keith Haring, Yoshitomo Nara, Juan Muñoz y muchos más sumarían un total de 6.000 piezas. Pero si hay algo que diferencia a los Rubell de otros coleccionistas es su interés nulo por la especulación y su amor por el Arte. Cuidan las obras y a sus creadores, a los que suelen conocer cuando apenas son jóvenes emergentes y acompañan a lo largo del duro camino del mercado del Arte Contemporáneo, adquiriendo sus obras, exhibiéndolas, otorgándoles un nombre. Se trasladaron a Miami, el punto de encuentro artístico con más elegancia y sol de los Estados Unidos. Allí, además de ser promotores de la Miami Beach Art Basel, una de las ferias de Arte Contemporáneo anuales más importantes del mundo, compraron un antiguo almacén de la DEA de 12.000 metros de superficie y alumbraron su fundación: la Rubell Family Foundation. No sólo construyeron un museo donde mostrar al público todas las obras que iban adquiriendo, sino que también idearon una enorme biblioteca con 42.000 volúmenes sobre Arte Contemporáneo, salas de conferencias, becas y talleres para estudiantes y más actividades. "Consideramos la fundación como una calle de doble sentido, y la interacción con el público ha enriquecido nuestra vida hasta grados inimaginables" contaba el matrimonio.

Pintura negra, Cecily Brown

Atardecer en el Bayou, Robert Colescott

Imaginario 2, Marlene Dumas

Elvis Presley, Keith Haring

Hasta el 17 de Junio, la Sala de Arte del Banco Santander, en su ciudad financiera de Boadilla del Monte acogerá una selección de 60 de estas obras que viajan por primera vez a Europa. Se trata realmente de una oportunidad única de disfrutar de una selección de obras de algunos de los artistas más apreciados del planeta. No pensé que fuese a ver un Murakami, Urs Fisher o Cecily Brown hasta que pudiese viajar a los EEUU, pero por suerte ha sido antes. Todos los amantes del Arte en general y del Contemporáneo en particular deberían dedicar cuantas mañanas pudiesen a disfrutar de esta maravilla de colección. Es una lástima la sala elegida; un espacio en el centro de la capital de mejor accesibilidad hubiese sido un éxito. La Sala de Arte del Santander, si bien es muy espaciosa, es de acceso muy limitado. Si vas por tu cuenta, o bien haces un viaje en coche o coges el metro ligero y atraviesas campo. A la entrada de la ciudad te registran más que en un aeropuerto y te llevan con correa en un minibús de puerta a puerta. Dentro, las guardas de seguridad van pegadas a tus talones. Si eliges la visita guiada que se consigue llamando a la Fundación y reservando una plaza en su autocar -eso sí, todo gratuito-, el transporte es muy cómodo, pero tienes que aguantar la charla rapidísima y asfixiada de una azafata muy sonriente pero que tiene poca idea de los cuadros y que se salta la mitad. Luego, de vuelta al bus, se toman su tiempo para pasearte la ciudad financiera y explicarte lo maravilloso que es trabajar para el señor Botín.


Una exposición más que excelente desmerecida por el entorno elegido. Aún así, está entre mis planes volver.

Mao, Andy Warhol

Cuatro monjes durmiendo, Takashi Murakami

Eggs, Richard Prince

Demos, Neo Rauch

Lunes a viernes de 10.00 a 17.00

Sábados y domingos de 10.30 a 14.00

Email: fundacionbs@gruposantander.com

Tlf información: 91 781 51 58

JUGADA A 3 BANDAS: galerías + comisarios + artistas

El encuentro madrileño Jugada a 3 bandas entre galerías de Arte Contemporáneo, curators independientes y artistas tuvo tanto éxito en su primera edición del año pasado que este año repite y se trae a Portugal como invitado especial. Este sábado 14 de Abril, de 12:00 a 20:00, 16 galerías y 2 nuevos espacios independientes acogerán exposiciones de artistas nacionales e internacionales organizadas por distintos comisarios y abrirán sus puertas al público general, para que este se acerque en un ambiente relajado a distintos espacios y personajes del Arte actual. 


En este catálogo uno se puede informar de todas las exposiciones que formarán parte del itinerario.

Encuentros con artistas en el CA2M

El Centro de Arte 2 de Mayo se ha convertido en referente nacional en exposiciones de Arte Contemporáneo. Ahora, y con motivo de la nueva exposición de algunos de los fondos de su colección permanente, organizará cuatro encuentros con artistas españoles en activo:
- 13 Abril ANTONIO BALLESTER MORENO
- 4 Mayo PAULA RUBIA INFANTE
- 11 Mayo CONCHA JEREZ
- 18 Mayo NURIA CARRASCO
Los artistas hablarán de sus obras y charlarán con los asistentes, todo en un ambiente muy informal, en la misma sala de exposición, de entrada libre.


Av. Constitución 23
28931 Móstoles
Madrid
Cercanías C5 (23´ desde Embajadores)

Mañana se falla el premio ARTE40

El concurso nacional para jóvenes artistas ARTE40 ha sido todo un éxito en su primera edición: 9.325 obras de 5.216 artistas en las modalidades de pintura, dibujo, escultura, instalación, fotografía, vídeo, performance, sonido y new media. Mañana, el ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, presidirá la entrega de los premios en el C Arte C de la Universidad Complutense: 10.000, 6.000 y 4.000 euros a los tres ganadores. Además, los cuarenta finalistas seleccionados el 15 de Marzo expondrán en dicho centro hasta el 10 de Mayo. El jurado ha estado formado por Daniel Castillejo, director de Artium, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria); Estrella de Diego, catedrática de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid; José Guirao, director de La Casa Encendida (Madrid); Karin Ohlenschläger, presidenta del IAC (Instituto de Arte Contemporáneo), y Benjamin Weil, director artístico de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial (Gijón).


De forma simultánea a la exposición se ha creado LAB40, una iniciativa de diversos talleres orientados a jovenes creadores y demás personas interesadas en el mundo del Arte Contemporáneo. Son gratuitos, se celebrarán durante el mes de Abril y correna  cargo de ARCOMadrid y JustMad, Efti Escuela de Fotografía, Instituto de Arte Contemporáneo, Facultad de Bellas Artes de la UCM y el artistas Juan Ugalde. Puedes inscribirte aquí.